Nintendo est probablement le plus à part de tous les constructeurs de consoles. Avec une longévité record de plus de 50 années d’activité dans le jeu vidéo (sans compter celles dédiées à la fabrication de jouets traditionnels), la firme de Kyoto a su traverser les âges, parfois avec turbulences, mais sans jamais (trop) vaciller. Est-ce dû à un soutien invariable de sa communauté de fans ou à une stratégie infaillible ? Sûrement un peu des deux. Toutefois, rien n’est dû au hasard et les années passées ont prouvé que Nintendo a toujours su surprendre là où on ne l’attendait pas. La Switch 2 étant désormais bien installée, il est temps de plonger dans les archives de la marque et de revenir sur la stratégie commerciale de Nintendo au fil des ans et des consoles. Une stratégie unique, faite de hauts et de bas, mais un parcours qui a permis de garder la couronne du plus grand consolier de tous les temps. Un an après la sortie de la Switch 2, où en sommes-nous ?

Nintendo, c’est un peu le sorcier de l’industrie vidéoludique. Ce constructeur, que l’on n’attend quasiment jamais, n’a de cesse de surprendre et d’apposer son empreinte dans un marbre incassable que pourrait être le hall of fame du jeu vidéo. Une prouesse tant on connaît la difficulté de s’y installer durablement. Intellivision, Panasonic, SNK, NEC, Atari, Sega… Autant de compagnies hardware dont l’audace n’a jamais été autant récompensée que celle proposée par Nintendo et qui ont aujourd’hui disparu du paysage. Au contraire, Nintendo a su faire face à ses nombreux concurrents sans jamais trembler. Pourtant, tout n’a pas été parfait et certaines sorties de consoles ont été entachées d’erreurs industrielles de communication qui auraient pu être fatales pour d’autres. À Kyoto, on a juste traversé la tempête pour rebondir. Aujourd’hui, Nintendo a mis de côté la course à la puissance pour des expériences plus ludiques. PlayStation et Xbox ont tâté ce terrain avant de reculer prudemment. Alors, c’est quoi le secret de Nintendo ?

Nintend’origine – Une carte à jouer

Ici, nous n’allons pas nous concentrer sur l’activité pré-vidéoludique de Nintendo, mais sur son intégration au marché des consoles de salon. À la différence de Sega, son concurrent historique, Nintendo n’a pas investi immédiatement l’arcade, mais directement les foyers japonais et mondiaux. Il faut dire qu’en tant que fabricants de jouets et autres cartes de type Hanafuda, on était encore bien loin des aventures de Super Mario ou de Donkey Kong. Pour cela, il faudra attendre 1977 et la sortie de la Color TV-Game. Avec leurs variantes de Pong, ces petites machines colorées sont la première incursion de Nintendo dans le jeu vidéo. Elles répondent au désir de surfer sur la vague de hype autour de ces nouveaux jouets électroniques popularisés par Magnavox et Atari. Ici, il n’était donc pas encore question d’âge d’or du jeu vidéo ou de stratégie marketing pour devenir les numéros un de cette industrie naissante, mais juste d’une incursion discrète sur un marché en devenir qu’il ne fallait pas louper. La preuve la plus flagrante étant que certaines franchises Nintendo étaient éditées chez les concurrents, comme Mario Bros. sur Atari 2600. Pour la première fois, les téléviseurs de salon étaient investis en masse. Et pourquoi ne pas viser la mobilité également ?

Ce qui a toujours caractérisé le succès de Nintendo, c’est cette double force de frappe, à la fois sur les téléviseurs et dans les paumes des joueurs. À Kyoto, on a toujours joué sur deux tableaux, et ce, dès les premiers pas de la firme dans l’industrie. Pas tout à fait consoles, puisqu’elles ne généraient pas directement des graphismes, les Game & Watch avaient tout du jouet électronique portable. Mais elles ont influencé toute la stratégie marketing de Nintendo sur le marché des consoles portables, jusqu’à la Switch 2… À cette époque, Nintendo visait encore à distraire un public adulte qui pourrait être occupé dans les transports, par exemple. Avec sa technologie, le jeu vidéo n’était pas encore destiné aux enfants. Pourtant, le succès de ces Game & Watch auprès des têtes blondes poussa Nintendo à revoir sa politique en termes d’audience et donna des ailes à Big N, en route pour la troisième génération de consoles. Celle qui l’a propulsé aux sommets du jeu vidéo.

Nintendoucement… – L’arrivée sur le marché des consoles avec la NES

Avant la Nintendo Entertainment System (NES) était la Famicom. En 1983, Nintendo lance la Family Computer au Japon, sa toute première machine à cartouches interchangeables ! Une manette jamais vue jusqu’alors, un catalogue riche d’exclusivités et strictement contrôlé par le fabricant, un prix relativement contenu pour l’époque (14 800 ¥, soit environ 100 €). Et si Nintendo tenait la bonne formule pour mettre les deux pieds dans l’industrie ? C’est en tout cas ce qu’ont dû se dire ses nombreux concurrents, en particulier Sega. Après un essai raté avec la SG-1000, la contre-attaque est venue de la Némésis de la Famicom, la Master System. Bien que cette dernière se soit vendue trois fois moins à l’échelle mondiale, elle a poussé Nintendo dans ses retranchements et lui a offert son premier véritable adversaire de taille. La première grande « guerre des consoles » était lancée !

Alors que la bataille fait rage au Japon, Nintendo se décide à exporter son nouveau produit phare en remodelant l’image de sa machine. Les précédentes générations de consoles ont fourni de multiples clones sans âme et entraîné la chute de cette industrie dans un krach boursier majeur, notamment aux États-Unis d’Amérique. Dans ce contexte, la solide NES fait office de second souffle pour l’industrie tout entière et offre la place de numéro 1 à Nintendo, dans tout le monde occidental. Le début d’une révolution de succès. Avec la NES, Nintendo tient son system-seller et lance toute une série de jeux cultes avec des accessoires à la fois bien conçus et ergonomiques. L’expérience de fabricant de jouets paye et le pistolet Zapper ou le robot R.O.B. sont des héritages de ce savoir-faire qui va installer la marque dans les foyers du monde entier. Du côté de Sega, on rend coup pour coup, mais cela ne suffit pas à faire tomber Nintendo. La stratégie devient dès lors plus agressive.

Nintend’or ! – Les années fastes de la marque avec la Super Nintendo

Beaucoup de joueurs contemporains de cette époque vous le diront : les années 1990 constituent un véritable « âge d’or » du jeu vidéo. Et ce ressenti, on le doit notamment à la bataille entre Nintendo et Sega. Un affrontement bien entendu technologique entre la Super Nintendo (Super Famicom au Japon) et la Mega Drive, qui ont fait jeu égal, mais aussi et surtout grâce à des campagnes marketing agressives et marquantes. Les années 1990, c’est l’avènement de la publicité et de tous ses excès créatifs. Nintendo l’a bien compris et a tout misé sur ses licences populaires avec des visuels forts. De marque familiale et enfantine, Nintendo muscle son jeu et vise désormais les adolescents. La faute probable à Sega et ses piques à tout-va, dont le fameux slogan instauré aux USA : « Genesis does what Nintendon’t« . Un jeu de mots que seule la langue de Shakespeare peut interpréter mais que l’on pourrait traduire par « La Mega Drive fait tout ce que la Nintendo ne fait pas« . C’est aussi un coup de génie qui force Nintendo à réagir.

La Mega Drive de Sega fut la première (et la plus grande) épine dans le pied du colosse Nintendo. Un concurrent redoutable qui lui aura presque fait perdre le marché nord-américain tant elle était populaire. Avec son image plus enfantine et un personnage de Mario à la bouille sympathique, il était difficile de résister au piquant Sonic, star des ados ! Là encore, Nintendo a su reprendre le dessus grâce à des licences fortes. La quatrième génération de consoles a probablement installé Nintendo parmi les plus grands et força Sega à l’essoufflement, tant le raz de marée Super Nintendo semblait inarrêtable. Appuyée par le succès interplanétaire du Game Boy et d’un accessoire permettant de lire ses jeux sur la Super Nintendo (le Super Game Boy) la firme de Kyoto paraissait tout bonnement inatteignable. C’est pourtant après ces réussites majeures que la stratégie a commencé à évoluer…

Nintend’oh ! – La Nintendo 64 comme premier échec

L’histoire est connue : Sony et Nintendo n’ont pas réussi à s’entendre sur l’installation d’un lecteur CD pour la Super Nintendo. Un échec qui a conduit à la naissance de PlayStation et au retard technologique considérable qu’a pris Nintendo. Pour la cinquième génération, c’est donc une console à cartouches qui voit le jour, alors que le CD devient une nouvelle norme. Avec ce recul net mais audacieux, Nintendo marque pourtant le pas d’une stratégie revue. Autrefois, une génération se caractérisait par la puissance de son processeur. Avec la cinquième, c’était 32 bits ou rien. Chez Nintendo, on a choisi « rien » pour sauter directement une génération ! Un choix courageux pris après avoir mis fin au passage sur CD, mais qui n’est pas sans conséquences, puisque cela donne une image un peu vieillotte de la firme, à l’époque.

Malgré une puissance théorique plus importante, les cartouches ont moins la cote. Pourtant, quoi de plus satisfaisant que de lancer ses bestioles au combat dans Pokémon Stadium, grâce au Transfer Pack ? Alors que Sega s’effondre, PlayStation s’approprie la couronne de Nintendo et vend quasiment deux fois moins de machines par rapport à la génération précédente. Avec son expérience dans le cinéma, Sony n’y va pas de main morte sur le marketing et veut immédiatement s’imposer sur le marché vidéoludique. Une stratégie payante qui a rabaissé la Nintendo 64 à une console d’écoliers, quand la PlayStation était celle des « grands ». Malgré des jeux cultes, la dernière grande console à cartouches a montré deux choses : 1/ Nintendo peut vaciller et 2/ Nintendo peut en faire une force.

Nintend’ordre de marche ! – La GameCube pour revenir au sommet

Avec le recul, on peut dire que la Nintendo 64 est un semi-échec commercial pour Nintendo, mais elle a révélé la plus grande force de la marque : prendre toute l’industrie à contre-pied. Ancrée dans une image de fabricant de consoles pour enfants, Nintendo devait frapper fort avec la sixième génération et lance deux machines surpuissantes : la GameCube et le Game Boy Advance. Les héritières d’une lignée royale devant reprendre un trône désormais acquis à PlayStation. La stratégie de Nintendo est donc hybride : d’abord, avec une petite console de salon originale, aux graphismes détaillés et fins, capable de rivaliser avec la Dreamcast de Sega, la PlayStation 2 de Sony et les outsiders de Microsoft, avec leur Xbox. Ensuite, par une portable boostée et connectable à la GameCube. Sur cette génération, le marché s’est considérablement réduit et laisse place à quatre mastodontes du jeu vidéo. Sega rapidement hors course, Nintendo perd son plus grand rival et sa principale source de motivation. Comme Ayrton Senna sans Alain Prost, il fallait se relever et trouver de nouveaux défis pour éviter le crash…

Las de cette image enfantine, Nintendo attaque fort dès le lancement avec un line-up beaucoup plus mature et des jeux inhabituels pour la marque avec des exclusivités fortes comme Bloody Roar, Star Wars : Rogue Squadron II ou encore Luigi’s Mansion, le premier jeu mettant en scène le « frère de », teinté d’un soupçon d’horreur savamment dosé. Le tout est accompagné d’une campagne publicitaire qui rappelle évidemment les réclames punchy de la Super Nintendo. Avec sa forme originale et son format en mini-DVD, Nintendo joue à fond la carte cubique dans un marketing plus adulte et faisait fi de l’aspect familial prôné jusqu’alors. La GameCube pouvait largement rivaliser avec ses concurrentes, mais comme pour Sega, Nintendo aurait probablement senti la fin arriver sans un véritable changement dans sa manière de vendre ses produits. Malgré une tentative d’accrocher un public de connaisseurs avec la Q de Panasonic (une super GameCube équipée d’un lecteur DVD, sortie uniquement au Japon) et une Game Boy Micro destinée aux businessmen, rien n’y fait. L’écart avec PlayStation et Xbox devenait trop grand, il ne fallait pas moins qu’une Revolution.

Nintend’audace – La Wii, une véritable « révolution »

On a tendance à l’oublier aujourd’hui ou à amoindrir les faits parce que Nintendo jouit d’un catalogue culte sur chaque console, mais les Nintendo 64 et GameCube restent des échecs commerciaux. Non en termes de ventes, qui restent somme toutes plus qu’honorables. Mais en termes de prestige et de compétitivité : Nintendo est tombée. L’échec d’un modèle comme le Game Boy Micro, la plus avancée des Game Boy Advance, montre même une déconnexion évidente. Face à Sega, la firme de Kyoto a tenu bon, mais les arrivées successives de PlayStation et de Xbox ont changé la donne. Il fallait être réaliste : Nintendo ne pourrait plus rivaliser sur l’aspect technologique. Afin d’éviter la disparition pure et simple face à ces mastodontes, Nintendo décide cette fois de prendre le contre-pied intégral, pas à moitié comme d’accoutumée. Avec la Wii, c’est une console totalement basée sur les mouvements que propose le constructeur. Grâce à sa Wiimote, une nouvelle façon de jouer était née. Une innovation majeure dans l’industrie et un retour évident au casual gaming de base. Wii, c’est we (nous, en français). Une manière implicite de dire que le jeu vidéo se conjuguera désormais au pluriel chez Nintendo. Un véritable retour aux sources ou un aveu d’échec ? Qu’importe, la formule marche : en prenant cette voie « à part », Nintendo retrouve son trône perdu.

« On fait du jeu vidéo pour enfants ? Très bien. Et on en est fiers ! » C’est en substance ce que Nintendo s’est probablement dit en lançant la Wii. Un constat simple et implacable : oui, Nintendo est une marque familiale. Ce n’est pas insultant ou réducteur, mais la voie que le constructeur a choisi de suivre pour tenir bon. Et cela fonctionne : avec plus de 100 millions d’unités vendues, la Wii est alors le plus grand succès de tous les temps pour la marque. Tandis que PlayStation et Xbox se livrent la « nouvelle guerre » graphique, Nintendo fait cavalier seul en tête. Cette stratégie est évidemment appuyée par le jeu portable et l’innovante Nintendo DS. Comme pour les consoles de salon, elle marque un retour décisif sur le créneau du fun immédiat et de l’expérience accessible à tous. La PSP de Sony était un bijou technologique, la DS un coup de génie vidéoludique ! Comme la Wii, elle rend directement hommage aux Game & Watch d’antan et propose une expérience fun à deux écrans. La septième génération a mis l’ensemble des concurrents KO. Nintendo était de retour. Avant de replonger…

Nintendouble écran – L’incomprise Wii U

Est-ce que la Wii était le succès de trop ? Celui qui a donné un excès de confiance à Nintendo, avant de se planter dans sa communication ? Probablement. Au point que cette console, aux nombreuses qualités, n’a clairement pas convaincu, ni trouvé son public. Il faut dire que sa présentation à l’E3 2011 est directement rentrée dans les annales des erreurs légendaires de communication dans le monde de la tech’. Nouvelle console ? Simple accessoire ? Tout avait été misé sur la tablette et la console était quasi invisible du public… Il était très difficile de distinguer ce qui faisait la particularité de cette console, la première à accepter une prise en charge HDMI pour Nintendo. En réalité, toute la stratégie reposait sur le Wii GamePad, le précurseur de ce qui aura amorcé l’émergence des mini-PC et de la Switch, bien entendu. Sur le papier, la tablette offrait de belles possibilités de gameplay pour un joueur, accompagné d’autres à la Wiimote + Nunchuk. Dans les faits, l’hyper rétrocompatibilité à perdu Nintendo dans sa communication.

Les cadres de chez Nintendo se sont totalement embourbés dans leurs discours et la Wii U sort dans l’indifférence générale, faisant d’elle la console de salon la moins vendue de la marque… Pourtant, elle n’est pas dénuée de titres majeurs tels que The Legend of Zelda : The Breath of the Wild ou encore Mario Kart 8. Mais ce n’était clairement pas suffisant pour rattraper le coup : trop en retard sur son temps, mal amorcée par le constructeur… Le coup final viendra du fait que la quasi-totalité de son catalogue a été porté sur sa petite sœur, après seulement quatre ans de commercialisation. Il faut dire que le line-up de lancement était maigrichon et qu’aucun épisode en 3D de la franchise Mario n’est venu à la rescousse de la console ! Un crime de lèse-majesté et un double échec : avec la 3DS, son binôme portable, les innovations proposées n’ont pas su convaincre. Pire encore ! Nintendo est même revenu en arrière en lançant une 2DS, faisant fi de toute technologie en relief qui était pourtant au cœur de la stratégie marketing de la marque. Une génération à oublier pour Nintendo… Enfin, pas tout à fait. Elle a même posé les bases de la suivante, car elle n’était qu’un cobaye…

Nintendouble la mise ! – La Switch, fusion entre le jeu de salon et portable

La particularité de la génération précédente vient du fait que Nintendo semble l’avoir sacrifiée sur l’autel de la facilité : la Wii U et son pendant portable, la 3DS, n’ont pas pu justifier à elles seules de s’offrir ces consoles. Plus améliorations que réelles évolutions, elles arrivaient en bout de course d’un système en binôme qui durait depuis trop longtemps. Et quand Nintendo est au fond du trou, c’est là que l’entreprise sait surprendre le mieux. La fusion entre console de salon et console portable ou la dernière idée de génie qu’a eu Nintendo grâce à la Switch. L’accueil est immédiatement positif. À cheval entre deux systèmes, elle se paye même le luxe de revenir à la cartouche ! Elle perd de facto sa capacité de rétrocompatibilité, mais elle introduit une nouvelle forme de jeu en phase avec son époque : hybride. Évidemment, elle n’est pas capable de rivaliser techniquement avec les PlayStation 5 et autres Xbox Series X|S, mais son intérêt est ailleurs.

La Switch, c’est le passage à l’ère moderne pour Nintendo : un eShop remodelé et actualisé, un programme en ligne fiable avec un catalogue de jeux rétro accessible, l’accès à quasiment tous les titres de cette génération et, bien entendu, les exclusivités Nintendo qui vendent à elles seules les consoles. Cette fois, Nintendo a contenté tout le monde : les familles qui jouent au salon, l’adulte adepte de technologie avec la version OLED et les jeunes avec une version 100% portable, la Lite. Une formule évidemment gagnante qui se confirme dans les chiffres, puisque non seulement la Switch est la console Nintendo la plus vendue de tous les temps, mais elle est même en passe de devenir la console de salon la plus vendue de l’histoire. Une prouesse aussi remarquable que la longévité de la machine, qui avoisine les dix ans d’existence en étant toujours commercialisée. Là encore, Nintendo a poussé la voie de la différence à fond et le résultat est payant. L’innovation et l’audace sont les marqueurs de réussite pour cette compagnie historique. De quoi laisser la voie libre pour la Switch 2 ?

La Switch 2, dans la continuité de la stratégie de Nintendo ?

La Switch 2 est disponible depuis le 5 juin 2025, soit un peu plus d’un an, et poursuit l’héritage de Nintendo : à savoir qu’une génération sur deux passe à la trappe. On l’a vu, depuis la GameCube et l’arrêt de la course à la toute-puissance, la firme de Kyoto ne parvient jamais à convertir deux succès d’affilée (économique comme populaire), comme à l’époque de l’enchaînement Nintendo/Super Nintendo. En effet, depuis la sortie de la Wii, chaque génération suivant une réussite parait dessiner un échec. À son annonce, la Switch 2 ne semblait pas déroger à la règle entre son prix jugé exorbitant, le portage d’un nombre conséquent d’exclusivités et de titres tiers de la génération précédente, des graphismes forcément inférieurs à ceux que l’on trouve chez PlayStation ou Xbox, une augmentation drastique des prix des jeux, des fonctionnalités peu claires comme la cartouche virtuelle… Bref, cette console n’avait pas encore convaincu que l’enthousiasme autour de sa sortie semblait tiède. 

Assistons-nous vraiment à des incidents industriels de communication ou bien à une stratégie maîtrisée ? Dans la première option, on pourrait tout simplement penser que Big N se repose sur les lauriers du succès précédent et ne voit pas d’intérêt majeur à innover sur chaque génération. Ce serait de l’excès de confiance, tout au plus… On peut prendre pour exemple des cas concrets comme la Game Boy Micro ou la Wii U, qui illustrent parfaitement l’idée que le succès donne des ailes à Nintendo, quitte à fâcher (momentanément) son public. La seconde option est, en revanche, bien plus intéressante. Pourrait-on imaginer que Nintendo « sacrifie » volontairement une génération au détriment d’une autre ? Et pourquoi pas ? Après tout, cela aurait du sens : après un succès majeur, il n’est pas évident de réitérer l’exploit.

Certains rétorqueront que PlayStation y parvient parfaitement. C’est partiellement vrai : chez Sony, l’innovation n’est pas au cœur de la stratégie et chaque PlayStation garde malgré tout une structure relativement semblable à la précédente. Il aura fallu quatre générations pour enfin changer la DualShock. Xbox opère également de cette manière en gardant la même interface et le même contrôleur d’année en année. Chez Nintendo, c’est différent. Si la Wii et la Wii U vont de pair, la Switch 2 emprunte forcément cette même voie avec sa grande sœur. Améliorer la génération suivante sans innover davantage permet de ralentir l’industrie et de préparer la future, à venir. Après les deux échecs commerciaux que Nintendo a connu sur le duo Nintendo 64 et GameCube, la firme a vacillé.

Elle a vu son rival de toujours, Sega, disparaître sous ses yeux. Chez les « bleus », on pourrait dire qu’un excédent de précipitation et un manque d’étude du marché ont entraîné la chute brutale, après la Dreamcast. Nintendo veut probablement s’accrocher et ne pas répéter cette erreur. Quitte à sacrifier volontairement une génération après un succès majeur ? Oui, c’est une possibilité qui laisserait le temps à Big N de peaufiner la suite, du genre qui peut bouleverser l’industrie. Si la Nintendo 64 et la GameCube prenaient partiellement le contre-pied de l’industrie, elles n’en restaient pas moins des concurrentes sérieuses dans la course à la technologie. Sur ce point, Nintendo a perdu la bataille depuis de nombreuses années. Depuis la Wii, chaque console signée Nintendo a snobé la concurrence, au point de les inspirer : le casual gaming est devenu une norme que les PS Move, PS VR et autres Kinect n’ont jamais su imiter.

Le jeu tactile de la Wii U a su s’exporter sur les tablettes et même les manettes DualSense de la PS5. La flexibilité de la Switch a poussé Microsoft a développé son offre Xbox Game Pass sur tous les écrans possibles, tandis que les micro-PC portables (Steam Deck, Rog Ally etc.) sont des copies ergonomiques de la dernière de Nintendo. Quel sera l’apport final de la Switch 2 ? Elle partait, comme la Wii U avant elle, avec un léger handicap d’enthousiasme modéré. Il faut dire que Nintendo la présente officiellement comme une évolution de la Switch sur son store… Mais comme ses grandes sœurs, il ne fait aucun doute qu’elle saura inspirer ses concurrentes avec ses fonctionnalités, quand bien même elle ferait la course à part. Et cela, c’est un jeu que maîtrise parfaitement Nintendo.

Toute la force de Big N repose bien au-delà d’une escalade technologique qui a dominé le marché durant plusieurs décennies. Ce combat-là, Nintendo l’a mis de côté depuis bien longtemps. Reste que les foyers se disent bien souvent prêts à s’équiper d’une PlayStation ou d’une Xbox, selon préférence, mais qu’une Nintendo devient la console secondaire à avoir. Une Nintendo et… une autre ! Nintendo gagne dans tous les cas le coeur des foyers et offre un raisonnement devenu indispensable pour ne pas passer à côté de tout ce qui fait le charme de ces machines si spéciales. Oui, elles sont moins performantes techniquement parlant, et ce, depuis plusieurs générations, mais nul doute que la Switch 2 sera bien sous le sapin avant les prochaines PlayStation ou Xbox. Nintendo a (encore) un coup d’avance. Preuve en est, avec ses 20 millions d’unités vendues en un an, la Switch 2 a déjà atteint 60% des ventes totales des Xbox Series sur six années de commercialisation. On dirait bien que Nintendo conjure (enfin) le sort.

Nintendoes what other don’t…

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La 7ᵉ cérémonie des Pégases n’a pas encore eu lieu qu’elle bat déjà son plein, du moins en coulisses. Après avoir soumis leurs jeux en commission, les développeurs et studios participants sont désormais fixés quant aux catégories dans lesquelles ils concourent et face à quels jeux ils seront mis en concurrence. Cette année, on peut aisément imaginer que le phénomène mondial, Clair Obscur : Expedition 33, ira glaner plusieurs statuettes. Toutefois, de nombreux jeux vidéo de qualité sont également en compétition et la sélection est relevée cette année. À ce titre, notre rédaction a l’honneur de faire partie des membres du jury de l’Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo, au sein du collège Honoraire. Bien entendu, on ne pouvait pas ne pas vous concocter quelques visuels afin de vous présenter les concurrents engagés dans cette septième édition. Comme nous, vous voilà face au choix le plus cornélien qui soit : qui allez-vous récompenser ? Réponse le 5 mars prochain !

Catégorie Meilleur Jeu Vidéo

On démarre bien entendu avec la catégorie reine de ce concours annuel, celle récompensant le meilleur jeu sorti au cours de l’année 2025. Si Clair Obscur : Expedition 33 fait office d’extrême favori, et ce, d’autant plus après son succès critique et populaire, d’autres jeux de cette liste pourront prétendre à la couronne. Une sélection davantage marquée par la montée en puissance de studios indépendants, confirmant les savoirs-faire que l’on peut trouver en France.

Catégorie Meilleur Jeu Vidéo Indépendant

La « petite » couronne reviendra au meilleur jeu vidéo indépendant de l’année écoulée. Là encore, on retrouve une sélection majoritairement présente au sein de la catégorie reine, tout en retrouvant quelques titres ayant déjà passé les portes de La Clinique. Une nouvelle sélection assez ouverte dans laquelle plusieurs outsiders auront une carte à jouer.

Meilleur Premier Jeu

Il faut bien commencer quelque part et cette catégorie récompense justement les premières productions sorties de studios de développement. Dans cette catégorie, de belles surprises et le très remarqué The Rogue Prince of Persia, la version indépendante du célèbre prince de Perse. Là encore, rien n’est joué d’avance et tous ont une chance de repartir avec une statuette.

Catégorie Meilleur Jeu Mobile

Une toute petite sélection pour cette septième édition des Pégases, dans la catégorie du Meilleur Jeu Mobile. Mathématiquement, chaque jeu possède une chance sur quatre de repartir avec un trophée sur le bureau, pour une catégorie qui ne possède pas particulièrement de favoris. Cette sélection est à retrouver sur les différents stores de vos smartphones, mais également sur PC.

Meilleurs jeux dans leurs domaines techniques respectifs

Pour ces différentes catégories, nous avons fait le choix de les regrouper dans une grande famille de récompenses mettant en avant tout l’aspect technique de création autour d’un jeu vidéo. Il s’agit ici de récompenser les parties graphiques, sonores ou encore narratives des titres en compétition.

Catégorie Meilleurs Jeux étrangers

Les Pégases c’est avant tout une cérémonie récompensant les jeux français de l’année écoulée, mais pas uniquement. Chaque année, trois catégories viennent récompenser une sélection de jeux issus de studios au-delà de nos frontières. Souvent francophones, ces développeurs peuvent aussi venir de plusieurs continents. C’est encore le cas pour cette édition, permettant de voir s’affronter du AAA comme de l’indé ambitieux. Voici les titres en concurrence, lors de ce premier tour de vote.

Ces jeux en compétition, déjà testés chez LCV !

Devenez membre du jury d’un jour et faites vous-même vos propres avis sur certains des jeux en lice, grâce à nos examens complets en ligne sur le site. Vous pourrez retrouver nos impressions et vous aider à déterminer quel jeu méritera ou non d’accéder au second tour !

Ces jeux en compétition, déjà sur notre chaîne YouTube !

Devenez membre du jury d’un jour et faites vous-même vos propres avis sur certains des jeux en lice, grâce à nos vidéos en ligne sur la chaîne YouTube. Vous pourrez retrouver nos impressions et vous aider à déterminer quel jeu méritera ou non d’accéder au second tour !

On débute avec cette vidéo-découverte sur l’univers dépeint dans Gloomy Eyes. Issu d’une œuvre d’animation doublée par l’acteur Colin Farrell, le jeu propose une expérience attendrissante d’un casse-tête en mode post-apocalyptique dans lequel une jeune humaine et un zombie tentent de transgresser les barrières sociales en place. Retrouvez également notre let’s play de l’aventure sur la chaîne !

Bien avant sa sortie, nous avions repéré tout le potentiel autour du jeu Hell is Us et de son univers sombre. Derrière ce titre se cachent plusieurs développeurs d’expérience pour une aventure basée sur l’exploration et le combat dans un monde du réel avec des inspirations grandioses. Il est l’un des candidats au titre de Meilleur Jeu Etranger.

Tous ces titres sont d’ores et déjà soumis aux votes des membres du jury de l’Académie des Arts et Techniques du Jeu vidéo. Le premier tour de vote s’achèvera le 27 janvier 2026 et ne gardera que les trois derniers nominés de chaque catégorie, ceux ayant reçu le plus de suffrages, avant de s’affronter lors d’un second tour et de se rendre au théâtre de la Cigale le 5 mars 2026, à Paris, pour remettre aux vainqueurs leur statuette. Toute la rédaction de LCV adresse tous ses vœux de réussite aux studios représentés et passe désormais en phase de test pour découvrir chacun des jeux en lice.

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« Il faut légiférer » ! Voilà l’appel lancé par Céline Duhamel et Marc Bretonnière lorsque nous les avons rencontrés en plein Bordeaux Geekfest. Les deux comédiens, connus notamment pour leurs performances vocales dans des titres majeurs tels que Halo, Mass Effect ou encore Destiny, étaient présents en capitale girondine, du 24 au 25 mai dernier. L’occasion pour nos cliniciens d’évoquer avec eux leurs parcours respectifs, mais aussi d’aborder la situation concernant la prolifération de l’intelligence artificielle (IA) dans leur corps de métiers.

Jusqu’ici, les initiatives françaises se sont difficilement faites entendre au niveau étatique, malgré d’un mouvement tel que Touche Pas Ma VF. Cette initiative, lancée de concert par plusieurs comédiennes et comédiens de renom, concerne spécialement les métiers du doublage (dont vous pouvez retrouver la pétition en fin d’article). Elle a vu naissance alors que la France accuse un retard conséquent en termes de protection des artistes et de leur singularité. Ailleurs, aux États-Unis notamment, les choses commencent à bouger tandis qu’une grève de presque un an, précédée de dix-huit mois de négociation, vient de s’achever.

Le 2 mai 2023, les scénaristes de Hollywood avaient déjà tiré la sonnette d’alarme en soulevant le danger réel que représenteraient une prolifération massive et l’utilisation abusive de l’IA dans les métiers du cinéma. Ces derniers affirment avec quasi-certitude que d’ici à quelques années, une fois bien installée dans le paysage, l’IA serait capable d’écrire des scénarios de films convaincants et se développer au cœur de tout le processus de création. Un potentiel sur lequel dirigeants peu scrupuleux de studios de l’industrie cinématographique, comme vidéoludique ou encore musicale ne manqueraient de s’appuyer.

Tout n’est évidemment pas condamnable. En tant qu’outil, l’IA a déjà fait ses preuves dans de nombreux domaines et représente un gain de temps conséquent, mais aussi une aide particulièrement efficace pour se projeter dans son idée. Et cela, parfois bien au-delà des métiers de l’art. En revanche, nul doute que comme dans tous les domaines dans lesquels l’innovation est mise en avant, certains n’y verront qu’un profit potentiel, au détriment de la qualité. L’inquiétude est forcément de mise lorsqu’on constate avec effroi ces vagues de licenciements et autres fermetures de studios dans les milieux créatifs. Depuis quelques années, le jeu vidéo est d’ailleurs tout particulièrement impacté (Microsoft, EA, SONY, Ubisoft, etc.).

Pour en revenir à la grève du syndicat SAG-AFTRA (Screen Actors Guild – American Federation of Television and Radio Artists), il faut savoir qu’elle survient à la suite des difficultés à trouver un accord satisfaisant entre les comédiens de doublage et les artistes de capture de mouvements. Ces artistes se sont engagés dans un conflit de plus d’un an et demi, les opposant à de grands groupes tels qu’Activision, Disney, Take-Two Interactive, Warner Bros, Epic Games, EA, etc.

Ce qui est soulevé ici, comme cela l’était déjà avec la grève des scénaristes, c’est l’utilisation frauduleuse des voix et des mouvements des artistes afin d’entraîner l’IA à les reproduire à moindre coût. Le tout, sans consentement ni rémunération de tous ces talents bien humains, eux. On peut par exemple citer le récent exemple de l’utilisation de cette technologie dans Fortnite, alors que la voix de l’avatar de Dark Vador était reproduite uniquement par IA. Pourtant, les artistes de talent ne manquent pas, et ce, depuis de nombreuses années, pour « donner vie » à ce personnage cultissime de la pop culture.

Cette grève aura permis aux artistes de se faire entendre et de se faire respecter : en cas de reproduction de leur voix ou de leurs mouvements par l’IA, les actrices et les acteurs américains spécialisés dans le doublage auront désormais un droit de regard et une rémunération équivalente à celle qu’ils auraient perçue en cas de performance live. Et ce, d’autant plus qu’il est acquis qu’utiliser la musique d’un groupe ou la voix d’un chanteur entraîne de facto le paiement de droits d’auteur. Mais ce n’est pas tout, puisque le texte adopté permet également aux artistes de continuer de pouvoir donner leur consentement avant utilisation, mais aussi de retirer leur accord en cas de nouveau conflit. De plus, ils ont obtenu en parallèle une hausse des rémunérations.

Si, dans les faits, tout cela est bien joli et permet aux acteurs d’avoir une base sur laquelle se défendre en cas d’usage “illégal” de leurs aptitudes, il est aussi vrai, comme nous le disait le célèbre Pierre-Alain de Garrigues, que la traçabilité et la transparence seront quasi impossibles à mettre en œuvre. Comment discerner que « tel » mouvement de main, mélangé à « tel » mouvement de bras, le tout sur un personnage se déplaçant de « telle » façon, serait une association de différents enregistrements et à quels artistes appartiendraient-ils ? S’il reste encore du chemin afin de s’assurer de rendre au “César outre-Atlantique” ce qui appartient au “César outre-Atlantique”, le chemin est encore plus long dans l’Hexagone où, à l’heure actuelle, rien n’est fait.

Si vous souhaitez aider nos artistes et leur montrer votre soutien, n’hésitez pas à aller signer la pétition en ligne, disponible à cette adresse. Chaque voix compte et les leurs pourraient disparaître du paysage créatif si rien n’est fait pour protéger cette spécificité franco-française, reconnue à l’échelle mondiale et adulée du grand public. Chez LCV, nous prendrons toujours plaisir à vous faire découvrir les voix mythiques de vos jeux cultes, bien au-delà de la simple performance vocale. C’est pourquoi nous espérons une action concrète pour préserver nos talents et pouvoir perdurer cet art dans un avenir proche.

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Après l’annonce par Asus et Xbox de l’arrivée prochaine de deux consoles portables en collaboration, les ROG Xbox Ally et ROG Xbox Ally X se dévoilent davantage grâce aux coulisses publiés en marge du Xbox Games Showcase 2025. Ces deux machines, proches des mini-PC dans leur architecture, proposeront une surcouche Xbox dès le démarrage et seront dotées des fonctionnalités de la marque : installer des jeux du catalogue, streamer via le Xbox Cloud Gaming ou encore diffuser sa console à distance. Le gros avantage des ROG Xbox Ally viendra également du fait de donner accès aux principaux clients PC de jeux tels que Battle.net, Steam, Epic Games Store, EA Play ou encore Ubisoft Connect et permettra de facto de lancer des jeux PlayStation Studios. Vous pouvez découvrir ces deux machines plus en détails grâce au trailer de présentation, traduit en version française et disponible sur notre chaîne YouTube.

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C’était le mardi 29 avril 2025. L’éditeur Nacon nous a conviés à une journée spéciale, le Cycling Day, dédiée à la présentation exclusive de deux futurs jeux consacrés au cyclisme professionnel : Tour de France 2025 & Pro Cycling Manager 25. Comme chaque saison depuis 2009 pour la première franchise et depuis 2001 pour la seconde, la sortie annuelle de ces itérations est un petit évènement pour les amateurs de « la petite reine ». Sous licence officielle, les deux jeux proposent chaque année leur lot de nouveautés pour satisfaire le plus grand nombre et se rapprocher des simulations cyclistes ultimes. Tour de France 2025 est attendu sur PC et consoles tandis que Pro Cycling Manager 25 restera une exclusivité PC, comme d’accoutumée. Pour en parler, nous avons rencontré des membres du studio Cyanide, à qui l’on doit le développement de ces franchises désormais bien installées dans le paysage vidéoludique sportif.

C’est donc à l’invitation de Nacon et de Cyanide que nous avons rejoint les locaux de l’espace WOJO, tout proche du quartier Saint-Lazare, à Paris. Sur place, tout plein de décorations et de matériels de courses rappelant évidemment l’objet de notre présence : la présentation en avant-première des nouveautés que l’on trouvera dans Tour de France 2025 & Pro Cycling Manager 25. Pour en parler, nous avons fait la connaissance de Clément Pinget, game designer pour Pro Cycling Manager 25, ainsi que d’Antoine Dalibard, un ancien coureur cycliste professionnel et game designer sur Tour de France 2025. Ils ont accepté de se prêter au jeu des questions/réponses au micro de notre clinicien Glandchef et ont présenté leur activité sur ces deux franchises. À quelques semaines de la sortie des deux jeux, c’est l’heure de se mettre en danseuse pour le sprint final !

Messieurs, bonjour ! Tout d’abord, je vous laisse vous présenter ainsi que votre parcours et ce que vous faites aujourd’hui, si vous le voulez bien.

Clément Pinget : Je travaille pour Cyanide depuis un peu plus de 20 ans maintenant, en particulier sur la série Pro Cycling Manager, anciennement Cycling Manager.

Antoine Dalibard : Je suis le game designer sur Tour de France et cela fait maintenant quatorze ans que j’officie à ce poste-là chez Cyanide.

En quoi consistent vos métiers respectifs, une journée type par exemple ?

Antoine Dalibard : Une journée type change pas mal en fonction de la période de développement du jeu. Je dirais qu’il y a peut-être trois grandes phases : la phase de préproduction, où l’on réfléchit aux idées, ce que l’on va faire, les nouveautés, etc. Après, il y a la phase de développement : on teste l’intégration des nouveautés pour vérifier que ça marche bien et que ce soit sympa à jouer. Enfin, il y a une dernière phase relative à la sortie du jeu où l’on cherche à savoir comment le jeu a été reçu avant de réamorcer un cycle de nouvautés et les corrections à apporter pour l’année suivante.

Le jeu passe sous Unreal Engine 5. Qu’est-ce que cela a pu changer sur la façon de travailler des équipes ?

Clément Pinget : Il a fallu réapprendre des choses, le projet n’est plus organisé de la même manière. On a eu beaucoup de choses qui ont été mises en commun entre Tour de France et Pro Cycling Manager mais globalement, pour nous en tant que game designer, cela n’a pas tant changé notre manière de travailler.

Antoine Dalibard : Comme l’a dit Clément, cela fait 20 ans qu’il fait PCM, quatorze ans de TDF pour moi, donc on a des méthodes de production très carrées. Tout avance naturellement au niveau des bases puis Unreal arrive et tout change. Ce n’est donc pas plus compliqué que cela, mais il faut réapprendre, tout simplement.

On constate un véritable gap graphique, surtout sur les environnements. Pour les gens qui regardent souvent le Tour de France et qui ne s’intéressent pas forcément à fond au cyclisme, mais plutôt aux paysages, avez-vous pu aller plus loin sur les décors et créer davantage de modèles 3D ?

Antoine Dalibard : C’est globalement la même équipe qu’avant. En revanche, on a pris beaucoup de temps : Unreal Engine 5, on travaille dessus depuis trois ans, mais il y avait déjà du travail préparatoire encore avant. Cela fait au moins cinq ans qu’on fait cette transition. Elle est en chantier et elle n’est pas terminée. Aujourd’hui, on a un nouveau moteur et on l’utilise pour améliorer les décors, l’éclairage, les ombres, etc. Toutefois, il y a encore plein de choses qu’il nous reste à faire et qui sont encore liées à l’ancien moteur et aux anciennes méthodes que l’on va devoir changer. Par exemple, concernant les cyclistes, le nouveau moteur nous permettra à l’avenir d’améliorer leur modélisation, pour un rendu global plus actuel.

Clément Pinget : Ce qui est très important, pour des séries annuelles comme TDF et PCM, c’est de voir sur le moyen et le long terme : il vaut mieux prendre plus de temps lorsque l’on travaille sur un nouveau moteur, d’autant qu’on va le garder longtemps. C’est toute une nouvelle stratégie à adopter.

À l’image d’une franchise sportive annuelle comme EA Sports FC (ex-FIFA), est-ce que l’on arrive pleinement à la fin de son projet et comment on priorise ce que l’on doit incorporer d’une année à l’autre en jeu ?

Clément Pinget : Il faut accepter que l’on ne peut pas tout faire en un an. Et c’est là le plus difficile, car on a toujours envie de s’améliorer. Il faut être capable de tracer une ligne rouge et de savoir dire « stop pour cette année ». En tant que game designer, on a forcément des idées pour faire mieux, pour changer les choses. La première d’entre elle, c’est de pouvoir se limiter.

Antoine Dalibard : C’est beaucoup de frustration pour être honnête. On le voit chaque année, beaucoup de joueurs nous font des propositions. On en a également de notre côté, qui se recoupent parfois. Je pense qu’on aime bien surprendre aussi, aller là où les joueurs ne nous attendent pas forcément. Malheureusement, on a que trois mois de production, quatre parfois, ce qui reste très court et oblige d’entamer une nouveauté une année et de la terminer la suivante. Puis, des fois, y a des imprévus, alors la suite n’arrive pas l’année suivante mais deux ans après. Oui, c’est un petit peu frustrant, mais c’est aussi l’avantage que l’on a par rapport à un designer qui fait son propre jeu : chez nous, la suite peut forcément intervenir sur l’édition suivante. Rien n’est jamais perdu.

Clément Pinget : Il faut voir le verre à moitié plein. La frustration d’une année, il faut l’oublier une fois le délai de sorti passé. On a la chance de pouvoir relancer une idée l’année suivante et de se dire « on y va » grâce à l’expérience passée de frustration.

Quels sont les plus gros défis lors du développement sur ces deux jeux ?

Antoine Dalibard : Je crois que le plus gros truc c’est le planning en fait. Parce que quand on a un jeu annuel comme ça, on a une date de sortie. Pour nous, c’est peut-être encore plus exacerbé parce que l’on est dépendant d’un événement, le Tour de France, et il ne faut pas être en retard, ne pas le rater. C’est vraiment une grosse pression pour l’équipe, en particulier pour l’aspect économique d’un tel partenariat. L’autre challenge, c’est de se demander si les nouveautés vont plaire ou non aux joueurs. On a un laps de temps relativement court pour marquer les esprits. Le risque c’est donc de ne pas arriver à faire des itérations, d’arriver avec une version qu’on n’a pas trop eu le temps de tester ou qui n’a pas été raffinée par des retours de joueurs. C’est souvent le pire des cas : avoir des nouveautés, c’est bien, mais il faut continuer de travailler sur des patchs amélioratifs après la sortie. L’idée principale restant que le joueur puisse avoir une version agréable à jouer, dès la sortie.

Clément Pinget : Sur PCM, c’est un peu différent avec ce côté gestion qui peut être un peu stressant, difficile. Quand on refait un gros bloc ingame, un système de jeu majeur, il faut qu’il puisse s’imbriquer avec le reste, ce qui n’est pas toujours évident parce qu’on parle de caractéristiques, d’attributs, des formules etc. Si on change le système, il faut faire en sorte que le nouveau ne casse pas tout le reste. Et ça, c’est parfois compliqué.

Et ça arrive quelques fois de devoir reporter une nouvelle feature, la faute à un calendrier de développement désaventageux ?

Clément Pinget : Oui, ça arrive. Toute la difficulté, c’est de le sentir suffisamment tôt parce qu’il y a plusieurs possibilités. Est-ce qu’on coupe partiellement la feature ? Totalement ? Il faut parfois faire des choix et ce n’est pas évident.

Antoine Dalibard : L’avantage que l’on a, selon moi, c’est qu’on a beaucoup d’idées qui sont encore en stock. Si on coupe une grande feature partiellement, on arrivera malgré tout à mettre des petites features à la place, ce qui évite l’impression de « vide ». Sur certaines éditions, il a fallu enlever des nouveautés et penser au service marketing qui a du s’adapter en termes de communication et s’adapter à ces désagréments. Et ça, c’est toujours très compliqué. Aujourd’hui, on est plus sur une optique de qualité plutôt que de sortir à tout prix une feature qui serait loin de l’idée de base. Il y’a encore quelques années, la réflexion n’était pas la même et on aurait tout de même implanté une nouveauté, même imparfaite. Désormais, on préfère s’en priver sur une année et offrir un produit bien plus qualitatif.

Clément Pinget : L’une des difficultés majeures d’un projet annuel tel que ceux-ci, c’est qu’il faut réussir. Comme on est dans un court laps de temps, il faut se caler justement avec les équipes marketing, parce que eux, ils vont devoir aussi présenter le jeu et en parler. Il faut qu’ils aient toutes les infos : eux, ils ne sont pas développeurs, ils sont pas non plus complètement au cœur du jeu, mais ils le connaissent et on doit leur donner tous les détails, suffisamment tôt. Autrement, ils doivent revoir tout leur plan et c’est terrible pour eux.

Antoine Dalibard : On peut donner l’exemple des notes et des attributs des coureurs. Concrètement, c’est quelque chose qu’on aimerait changer. En tant que game designer, pour l’instant, on ne se lance pas parce qu’on ne sait pas si on est capable de le faire en un an. On doit encore travailler et trouver la bonne solution. Nous, on sait où on veut aller, mais on n’est pas sûrs que cela va fonctionner, notamment sur PC où tout est interconnecté. Changer les notes peut paraître simple, oui, mais l’évolution des coureurs, elle fonctionne comment alors ? Comment se base le sponsor pour évaluer un coureur ? Est ce qu’ils veulent l’acheter ou pas ? C’est un ensemble de mécaniques à équilibrer sur lesquelles on n’a pas toujours le courage de se lancer, par peur de ne pas y arriver en un an.

A La Clinique, on a souvent eu des contacts avec des développeurs indépendants qui se lancent dans un tout autre projet après la sortie de leur jeu. Vous concernant, et après tant d’années à développer ces séries, vous n’avez pas parfois l’envie de vous lancer sur d’autres projets ?

Antoine Dalibard : Pour ma part, je dirais que tout revient encore sur cette notion de cycle court de développement. Il y a des choses qu’on n’a pas eu le temps de faire, que j’ai envie de faire, et je suis loin d’avoir tout dit. Alors je pense que contrairement à un développeur indépendant qui a un message à faire passer, une expérience qu’il va proposer aux joueurs, nous on n’arrive jamais réellement au bout. Puis le monde du cyclisme évolue en permanence et rien n’est tout à fait immuable.

Clément Pinget : On ne développe plus ces jeux de la même manière qu’il y’a quinze ans. Aujourd’hui, tout est cadré et organisé, c’est différent. Dans le monde du développement, je dirais qu’il y a ceux qui vont toujours vouloir se relancer dans un nouveau jeu, qui ne voudront peut-être plus entendre parler de ce qu’ils ont fait avant. Pour nous, c’est une quête perpétuelle de perfectionnement. En fait, il faut surtout être passionné d’office par ce sport là, le cyclisme. Personnellement, je ne regarde presque jamais en arrière. J’ai toujours une idée, un jeu idéal, et je pense qu’on peut toujours faire mieux, qu’il n’y a jamais vraiment de fin.

Le Tour de France est un évènement annuel qui peut avoir un engouement variable en fonction des éditions. Est-ce que cela impacte le développement du jeu et ses ventes lorsque cela arrive ?

Antoine Dalibard : Il y a un impact clair de certains événements qui vont être quelque peu « en frontal », même si les calendriers sont toujours établis pour ne pas s’entrechoquer. Sur une année avec les Jeux Olympiques ou une Coupe du Monde de football, qui se déroulent généralement sur la même période que le Tour de France, il peut y avoir un impact clair sur la sortie du jeu, c’est certain.

Nous remercions chaleureusement les équipes de Nacon et Cyanide, ainsi que notre partenaire 7Ccom, pour cette invitation à découvrir les deux prochains opus des simulations cyclistes préférées des joueurs. Notre entretien exclusif avec Clément Pinget et Antoine Dalibard sera à retrouver prochainement et en intégralité sur notre chaîne YouTube. Si les deux jeux vous intéressent, sachez que Tour de France 2025 est attendu sur PC, Xbox Series X|S et PlayStation le 5 juin 2025, tandis que Pro Cycling Manager 2025 sera disponible à la même date, exclusivement sur PC. Le Tour de France 2025 se déroulera quant à lui du 5 au 27 juillet 2025. Alors, plutôt coureur ou gestionnaire d’équipe ?

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ARTE, tout le monde connaît. Acronyme d’Association Relative à la Télévision Européenne, ARTE est une chaîne franco-allemande du service public créée le 30 avril 1991 et basée à Strasbourg. Média incontournable du PAF (le Paysage Audiovisuel Français), il a vocation à proposer du contenu conçu et adapté aux populations européennes. Toutefois, ARTE c’est aussi un éditeur de jeux vidéo : la branche interactive est plutôt jeune, créée en 2013, mais compte déjà quelques belles pépites à son actif. À l’instar du tout récent 30 Birds, les jeux ARTE Interactive entendent proposer une voix différente, à cheval entre l’œuvre d’art et l’outil de réflexion. Et si on faisait un tour d’horizon de ce savoir-faire quasi artisanal ?

Depuis quelques années, l’association ARTE s’est positionnée comme une actrice importante dans le domaine des jeux vidéo, en se concentrant sur des projets originaux et indépendants. La chaîne a commencé à coproduire des jeux dès 2013, avec le titre Type: Rider. Lors de sa sortie, ce dernier avait surpassé le phénomène Angry Birds en termes de téléchargements, au point d’avoir été élu “App de la semaine” sur l’Apple App Store, à l’échelle européenne. Un bel exploit quand on se rappelle du carton qu’a fait le jeu de ces “oiseaux énervés” ! Fort de ce premier grand succès critique et commercial, c’est en 2018 que la chaîne franco-allemande est officiellement devenue un éditeur. Son catalogue propose aujourd’hui des jeux à forte dimension artistique, souvent des expériences narratives ou exploratoires comme Homo Machina, How to Say Goodbye, Inua, 30 Birds et prochainement Gloomy Eyes, des jeux très appréciés pour leurs histoires immersives et leur esthétique unique. Il est à noter que nous avons énormément aimé ce dernier lors de notre passage dans le stand des Jeux Made In France de la Paris Games Week 2024.

ARTE a voulu se démarquer des grands éditeurs mondiaux en soutenant des projets qui se rapprochent davantage de l’artisanat que de l’industrie. C’est d’ailleurs lors de notre entretien en off avec Adrien Larouzée, à la tête de la branche édition et co-développement de la section jeux vidéo chez ARTE, qu’il a été question de nommer cette catégorie en “créations d’auteur” : une manière novatrice de se démarquer dans l’univers du jeu indépendant. Leurs jeux se distinguent par des récits soignés, des visuels marquants et une jouabilité accessible à un large public, souvent axée sur des thèmes universels. Cette démarche a permis à ARTE de remporter une centaine de récompenses et d’atteindre un public international, avec plus de 5 millions de téléchargements. Un succès qui l’a amenée à présenter ses créations dans des événements prestigieux, comme la Paris Games Week​ ou la Gamescom.

Lors des rencontres parisiennes, l’intrigant 30 Birds avait eu l’honneur d’être présenté au public. Dernière production ARTE disponible à date, elle met en avant tout un savoir créatif, issu de l’esprit d’une illustratrice : Coline Sauvand. L’auteure, plutôt habituée des librairies, a donné vie à un carnet de voyage vieux de dix ans déjà, pour imaginer son premier jeu. Accompagnée de Laurent Toulouse à la direction artistique, ils forment un duo vagabond et voyageurs, puisant leur inspiration d’un séjour à Istanbul. À l’origine, 30 Birds était donc un livre illustré racontant des aventures personnelles. De cette inspiration perse et orientale, Coline a dessiné des miniatures de ses rencontres, rendant hommage aux œuvres d’art de cette région du monde. Les miniatures persanes sont des petits tableaux fourmillant de détails et contant des scènettes mythologiques. C’est en fouillant un peu ces histoires fantastiques que 30 Birds s’inspire directement d’un poème mettant en avant des oiseaux en quête de leur déesse, Simurgh.

Si la création de 30 Birds n’a pas pris dix années de développement, sa gestation artistique date bien d’une décennie. Et quoi de plus original que de raconter un voyage en jeu vidéo ? C’est exactement la proposition qui a retenu l’attention d’ARTE Interactive, ainsi que la nôtre. 30 Birds raconte bel et bien une histoire inspirée du vécu, tout en s’imprégnant d’éléments mythologiques forts. Tout ceci confère au jeu un statut totalement à part, pour une expérience qui se savoure de bout en bout. Et en parlant d’expérience à part, le très attendu Gloomy Eyes compte également tirer son épingle du jeu parmi le catalogue des productions interactives ARTE. Créé et développé par Fishing Cactus, en coproduction avec Be Revolution, ce nouveau titre est attendu pour le courant de l’année 2025 et a déjà été remarqué au Pavillon Fantastique du Festival de Cannes 2024. Film… ? Jeu… ? Encore une croisée des mondes comme seule ARTE peut nous en proposer.

En effet, Gloomy Eyes est à l’origine un court-métrage animé dirigé par Jorge Tereso et Fernando Maldonado. Le film est conté par l’acteur irlandais Colin Farrell (Tahar Rahim en version française) et parle d’une histoire sentimentale entre un garçon zombie et une jeune fille mortelle dans une Terre en proie aux ténèbres. Un an plus tard, une adaptation en série de trois épisodes a été proposée sur différents stores pour PC et YouTube et s’appuie sur la technologie de réalité virtuelle. Le résultat est bluffant et a permis au jeu d’engranger plusieurs récompenses de la part des industries cinématographique et vidéoludique, conférant à Gloomy Eyes une certaine reconnaissance, alors que la VR peine à s’imposer sur le marché. ARTE Interactive n’en a pas pour autant fini avec sa licence déclinable. Lors du dernier Paris Games Week, Adrien Larouzée a su montrer à nos cliniciens toute l’étendue et la richesse de cette nouvelle expérience, à mi-chemin entre cinéma et jeu vidéo.

Notre analyse vidéo en pied d’article met d’ailleurs parfaitement en avant ce lien étroit entre les deux arts, dont Gloomy Eyes version 2025 sera un parfait porte-étendard. Cette fois, l’aventure devient entièrement jouable sur PC et présente une narration plus poussée, grâce à ses six heures de jeu annoncées. Du cinéma au jeu vidéo, Gloomy Eyes semble vouloir mélanger les genres autour d’une union qui paraît tout simplement délicieuse, nos impressions post-Paris Games Week 2024 en faisant même l’un de nos titres à venir les plus attendus. À l’instar de 30 Birds, Gloomy Eyes paraît marcher dans les traces de pas laissés par les volatiles, pour offrir une nouvelle expérience dont seule ARTE a le secret.

De curiosité dans l’industrie à véritable acteur du jeu vidéo, grâce à ses douze ans d’ancienneté, ARTE veut s’imposer comme une place forte pour la créativité et les développeurs indépendants. Aucun jeu ne se ressemble et chaque titre se vit comme une nouvelle expérience cherchant à mêler les inspirations et les arts. Une recette unique permettant de proposer des contenus qui ne laisseront aucun joueur indifférent, c’est certain. En tout état de cause, nos cliniciens n’hésitent pas à rompre le secret médical en prenant position, faisant d’ARTE Interactive l’un des studios qu’ils aiment tout particulièrement recevoir en consultation. Gloomy Eyes semble très prometteur, mais la suite n’est pas en reste avec des projets en cours ambitieux et curieux comme Looking For Fael et The Merlies. C’est certain, ARTE n’a pas fini de surprendre son monde.

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Les écoles dédiées à l’apprentissage de la création de jeux vidéo ont fleuri ces dernières années. En France, on trouve désormais des dizaines d’instituts spécialisés permettant d’ouvrir de nouvelles portes et d’affronter le monde professionnel avec un beau bagage culturel et théorique. Une force qui n’est pas à négliger, alors que le jeu vidéo se professionnalise. Autrefois, intégrer une société dédiée à la création de jeux vidéo relevait d’opportunités, de détermination et d’inventivité. Un parcours comme celui d’Emmanuel Forsans nous a démontré que rien n’est prédéterminé et que réussir dans le jeu vidéo sans école dédiée est une possibilité.

D’autres, comme Mari-Annaig, nous montrent qu’il suffit de croire en ses rêves pour se lancer et d’apprendre avec ses connaissances. Le monde du jeu vidéo n’est pas figé, il existe tant de solutions et de possibilités pour y parvenir qu’on ne saurait toutes les dénombrer ! Les écoles sont désormais là pour prouver que l’on peut réussir en apprenant le jeu vidéo et sa conception. Lors du Festival Animasia 2024 de Bordeaux, nous avons eu l’opportunité de rencontrer créateurs, étudiants et cadres de trois écoles de la Région Nouvelle-Aquitaine. Un bel échantillon à découvrir avec nous !

Le Cnam – Enjmin

L’École Nationale du Jeu et des Médias Interactifs Numériques, rattachée au Conservatoire National des Arts et Métiers est une école publique créée en 2001. Elle est située à Angoulême et suit un modèle identique aux universités “traditionnelles”, avec un droit d’entrée relativement bas et des frais universitaires, à l’instar de toute autre formation du système public. À ces droits s’ajoute une contribution à la vie étudiante et du campus de 103 €, avec la possibilité d’obtenir une bourse sur critères sociaux du CROUS et une aide à la mobilité en master. Attention toutefois, d’autres cursus feront grimper la note, notamment en formation continue ! 

L’école offre aux étudiants un choix de six parcours de spécialisation à choisir, parmi lesquels :

• Conception sonore,
• Conception visuelle,
• Ergonomie et UX (Expérience utilisateurs),
• Game design,
• Management de projet,
• Programmation. 

À l’heure actuelle, l’école propose deux licences : une en informatique et l’autre dédiée aux arts numériques pour le jeu vidéo. Une troisième, dédiée au game design, doit ouvrir ses portes à l’horizon 2026. L’établissement propose également une formation d’ingénieur informatique et multimédia et un mastère spécialisé designer d’expériences immersives dispensée en partenariat avec l’école des Gobelins, à Paris. Ajouté à cela, deux masters sont également proposés et se consacrent aux médias interactifs numériques, avec une opportunité de partir à l’étranger :

• Le master jeux et médias interactifs numériques propose un programme de double diplomation avec le Cologne Game Lab (Allemagne) et une Passerelle avec l’École NAD-UQAC (Canada)
• Le master international jeux et médias interactifs numériques en partenariat avec le Jilin Animation Institute (Chine) ouvrira à la rentrée 2026

L’école se situe dans la ville d’Angoulême. Un choix qui pourrait surprendre, de prime abord, mais que le directeur Axel Buendia justifie et appuie sans détours à travers deux facteurs : le premier étant l’envie de proposer des formations du numérique dans une cité où les loyers restent encore abordables pour de jeunes étudiants. Le second étant que la mairie souhaite mettre en avant les métiers de l’art et de l’image depuis de nombreuses années. 

Rappelons que la ville d’Angoulême, qui se situe à moins de 2h de train de Paris et seulement 35 minutes de Bordeaux, accueille tous les ans le Festival International de la Bande Dessinée  et que les plaques de ses rues reprennent d’ailleurs la bulle iconique de ce média  ! Un endroit idéal pour chercher l’inspiration et partir à la rencontre de grands dessinateurs avant de se lancer sur les outils informatiques. Les deux arts sont souvent mêlés et les récents exemples de 30 Birds ou Stars In The Trash en sont le parfait exemple.

Vous retrouverez toutes les informations pratiques sur cet établissement à cette adresse. 

Et si vous voulez en savoir davantage sur la vie étudiante et les parcours proposés à l’Enjmin, n’hésitez pas à visionner notre interview de Marine Romero, chargée de communication pour le Cnam Nouvelle-Aquitaine et Landry, un ancien étudiant ingénieur informatique et multimédia tout récemment diplômé. Tous deux nous ont accordé leur temps lors Festival Animasia 2024 et nous avons pu recueillir leurs impressions.  

La Horde

Située sur le boulevard du Président Wilson à Bordeaux, l’école de La Horde réunit une équipe de passionnés pour un enseignement quelque peu « différent » dans les méthodes prodiguées, si l’on en croit ses fondateurs. La curiosité et la mise en pratique sont au centre de la formation transversale souhaitée par l’équipe pédagogique. À l’instar de la vie en entreprise, La Horde propose un cursus mélangeant les spécialités, pour plus d’ouverture spirituelle et surtout artistique. D’ailleurs, au-delà d’un nom qui en dit long, le parcours annuel propose des quêtes (projets individuels), des instances (projets de groupe), mais aussi des raids (projets de groupe de plus grande ampleur). Le ton est donné !

L’établissement propose pas moins de sept cursus différents : 

• Programmation
• Game art
• Game design
• Producer
• Sound designer
• Technical artist
• Business & événementiel 

Ils ont à cœur de réunir les élèves de différentes années et spécialités lors de game jams organisées tout au long du cursus, durant environ trois semaines, dans le but de leur apprendre à travailler ensemble, mais également de toucher à d’autres métiers afin d’apprendre à se connaître et pourquoi pas se découvrir d’autres talents ! Cette école prône donc le travail en équipe et ne vise pas la surspécialisation, préférant former des étudiants capables d’avoir plusieurs cordes à leur arc. Un peu comme un protagoniste de RPG ! 

Au programme, donc, plus d’une dizaine de projets courts par an afin de repérer ses erreurs et ne plus les reproduire ! Certains de ces projets vont d’ailleurs être présentés à un jury de professionnels qui pourront offrir aux élèves l’opportunité de rencontrer les acteurs de l’industrie et ainsi trouver des stages, voire plus. Et ce n’est pas négligeable dans une industrie qui fonctionne globalement au réseautage !

La Horde est une école privée, ce sera donc aux élèves (ou aux parents) de s’acquitter des frais de scolarité, à savoir : 7800 €/an pour les trois premières années de Bachelor et 8300 €/an pour les deux années de Mastère lors de la rentrée universitaire 2024/2025. Un budget conséquent à prendre en compte lors de l’inscription, que l’école propose d’échelonner au fil des mois. Il existe également un ensemble de banques partenaires avec qui La Horde peut mettre le futur étudiant en contact.

Une réalité du monde de l’enseignement privé que l’école semble reconnaître puisqu’elle s’engage à figer les frais de scolarité durant tout son cycle d’étude, mais également à ne pas faire payer une année supplémentaire en cas de redoublement ! Un coup de pouce non négligeable lorsque l’on sait qu’un évènement contraignant peut survenir au cours d’une année d’études supérieures, poussant souvent les étudiants à décrocher. 

Vous retrouverez toutes les informations pratiques à propos de cet établissement sur le site officiel de La Horde. Et si vous voulez en savoir davantage sur la philosohie de l’école, ses cursus et la scolarité, voici notre interview en vidéo de David Jarnage le directeur de l’école et Stéphane Bernon le coordinateur pédagogique. Ils se sont entretenus avec nous lors Festival Animasia 2024 et nous avons pu recueillir leurs impressions.

E-artsup

Si l’élève que nous avons rencontrée faisait ses classes dans la capitale girondine, cette école plus axée sur l’art en général se retrouve dans bon nombre de villes à travers divers campus (Paris, Bordeaux, Lille, Lyon, Montpellier, Nantes, Nice, Strasbourg, Toulouse, Tours, Marseille, Barcelone, Berlin et  Bruxelles) et propose des filières plus ou moins éloignées du jeu vidéo, en bachelor ou en mastère : 

• Direction Artistique
• Motion Design
• Jeux Vidéo / Game Art
• Cinéma d’animation

Dans cette école créée en 2001, c’est la sensibilité artistique qui est au cœur de la formation : le site “the Rookies” la classe d’ailleurs dans le top 10 mondial des meilleures écoles de jeux vidéo ! Les trois premières années de bachelor vous permettront d’acquérir un socle de compétences solide, là où le Mastère en deux ans sera, en plus d’une véritable spécialisation, un tremplin vers l’international avec des cours totalement en anglais.

Afin d’être admissible à e-artsup, il faudra avant tout constituer un dossier, se présenter à un entretien et réussir une épreuve d’admission. Dans le cas d’une validation dudit dossier, il faudra vous acquitter, selon les tarifs 2025-2026, d’un premier versement chaque année de 690 € permettant de réserver sa place puis, en fonction du cursus et de la ville choisis, financer son parcours étudiant de manière annuelle. 

Si l’étudiant s’inscrit dans les cursus Direction Artistique ou Motion & Game Design, il faudra débourser pas moins de 8000 € l’année, environ. Un tel parcours nécessitera trois ans d’études au minimum pour valider un Bachelor équivalent au niveau Bac+3 et peut être poussé jusqu’au Mastère, soit un équivalent Bac+5. Le cursus Cinéma d’Animation nécessitera un budget quelque peu rehaussé, mais reste sensiblement proche des tarifs précédemment cités. L’école propose des financements en 3 et 10 fois, sans précisions concernant les frais supplémentaires d’un tel crédit. Vous retrouverez toutes les informations pratiques sur cet établissement sur le site officiel de l’école.

Et si vous voulez en savoir plus, voici notre interview en vidéo de Zelie, une étudiante e-artsup qui nous partage son expérience personnelle au sein du campus de Bordeaux. Elle a évoqué pour nous sa vision de future créatrice de jeux vidéo ainsi que le rôle que joue l’école dans son développement professionnel. Elle s’est entretenue avec nous lors Festival Animasia 2024 et nous avons pu recueillir ses impressions.

La Région Nouvelle-Aquitaine propose une belle variété d’écoles dédiées à la conception de jeux vidéo ou à l’animation. Établissements réputés, le Cnam-Enjmin, La Horde ou encore e-artsup ne représentent pourtant qu’une infime partie des solutions existantes pour se tourner vers les métiers du jeu vidéo. S’il est toujours possible de se lancer de manière autodidacte (possibilité de renvoyer vers Endseeker, My Dear Neighbor etc), acquérir de solides bases issues de formations dédiées est une plus-value non négligeable. Nos différents entretiens, effectués lors Festival Animasia 2024 de Bordeaux, ont permis de mettre en avant des profils d’étudiants tous plus différents les uns que les autres, insistant sur la singularité de leurs motivations et de leur vision de créateurs de jeux vidéo en devenir.

Accompagnés de certains cadres des écoles qu’ils ou elles représentaient, ils nous ont offert un échantillon de ce qu’est la création au sein d’une même région. À La Clinique Vidéoludique, nous sommes absolument convaincus de la force créatrice de l’esprit humain et ces rencontres ont toutes été plus enrichissantes les unes que les autres. Nous remercions nos intervenants pour le temps qu’ils nous ont accordé et espérons que ce dossier consacré aux écoles de la Région Nouvelle-Aquitaine saura susciter quelques vocations en attendant, pourquoi pas, d’aller à la rencontre d’autres établissements. La pluralité de l’offre de formation est une force sur laquelle nous avons la chance de pouvoir nous appuyer en France. Et derrière chaque lecteur se cache peut-être un futur créateur ou une future créatrice…

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Nous sommes à la fin de l’année 1994, quelque part au Japon. La cinquième génération de consoles est lancée depuis plusieurs mois. Avec l’arrivée de la 3DO, Panasonic tentait alors une incursion plutôt remarquée au cœur de l’industrie, à une époque où plusieurs acteurs voulaient se partager la part du (copieux) gâteau que représentait l’essor du jeu vidéo. Le début des années 1990 voit donc l’apparition de matériels absolument innovants, boostés par le développement de la 3D encore balbutiante. Une technologie qui allait changer durablement la créativité, les ventes et chambouler le paysage en place.

Entre la surprise 3DO du challenger Panasonic et les innovantes CD32 et Jaguar des vétérans Amiga et Atari, SEGA, alors au coude à coude avec Nintendo pour la première place, se devait de répondre avec la plus grande fermeté. Sa Saturn devait inaugurer le tout nouveau « système solaire » de la marque au hérisson bleu, tandis que la firme nippone cherchait un nouveau souffle. Le succès interplanétaire de la Mega Drive avait quelque peu empêché SEGA de se concentrer sur l’avenir, préférant ajouter de multiples extensions (Méga-CD, 32X etc) à sa console porte-étendard. La Saturn devait donc frapper fort. La console voit le jour le 22 novembre 1994 au Japon, il y a tout juste 30 ans. Mais elle n’était pas seule…

En face d’elle, une petite pépite grise émergeait du néant pour se rêver diamant des consoles : la PlayStation est la toute première incursion matérielle de l’entreprise Sony dans le monde du jeu vidéo, après une brouille devenue légendaire lors d’une collaboration ratée avec Nintendo sur sa SNES. Une histoire qui allait bouleverser à tout jamais l’histoire du média, alors que cette cinquième génération assurait la transition définitive de la 2D vers la 3D, confirmant l’essor de nouveaux standards. Une époque qui a également fixé les puissances émergentes, détruit les anciennes gloires et forcé ceux qui avaient déjà le genou à terre à se relever ou à disparaître.

Oui, la PlayStation de Sony a bel et bien changé le visage du dixième art, lui donnant une nouvelle orientation : celle de l’invasion massive des foyers équipés de téléviseurs, et ce, dès le mois de décembre 1994. Avec environ 105 millions d’unités vendues tout au long de sa production, la « petite nouvelle » a ébranlé les plus grands, au point de redéfinir qui est et qui n’est plus, jusqu’à ce jour. Pourtant, elle ne manquait pas de concurrence et la Saturn de SEGA était probablement la plus à même de rivaliser, les deux possédant un catalogue riche et varié, dont plusieurs titres en commun (Tomb Raider, Wipeout, Rayman, etc.).

1994 marquait ainsi le coup d’envoi d’une transition importante, aussi bien technologiquement que matériellement parlant : la Saturn introduisait la 3D en sublimant la 2D à son paroxysme tandis que la PlayStation délaissait les scripts classiques de la 2D pour s’investir pleinement dans une 3D en pleine expansion. Un match passionnant, que les équipes de Digital Foundry ont décidé de faire revivre aux internautes, avec les moyens d’analyse actuels (fréquence d’images, textures etc.) ! Composée de plusieurs épisodes, la série offre un premier face-à-face dédié aux jeux de courses.

Si la cinquième génération vous est inconnue ou que votre mémoire vous joue des tours, nous ne saurions que trop vous conseiller de visionner ces analyses effectuées avec passion. Le premier épisode permet de comprendre les forces et les faiblesses de ces deux machines, à la fois témoins et actrices de la révolution qu’a connu l’industrie vidéoludique. En toute fin de génération, Nintendo a pris déjà le contre-pied en proposant de la 3D… Sur cartouches ! La Nintendo 64 venait alors arbitrer ce combat technologique titanesque avec une proposition en décalage avec son temps. Des années décidément folles, à revivre dès maintenant sur la chaîne YouTube de Digital Foundry.

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C’est durant l’Animasia 2024 que nous avons pu faire la connaissance de nombreux projets indé développés en France. Parmi les titres rencontrés, My Dear Neighbor, edition 404 de DAMAN Studios. Nous en avons profité pour nous entretenir avec Foued DAHMANE, un développeur solo qui a conçu son bébé de A à Z. Si le nom du jeu peut paraître sympathique, l’expérience proposée en jeu le sera nettement moins…

Les relations de bon voisinage sont essentielles pour avoir une vie de quartier apaisée et bienveillante. Il vous est probablement déjà arrivé d’aller siroter un thé chez votre voisine de 92 ans ou d’emprunter un œuf sur le palier du troisième étage. En réalité, My Dear Neighbor, edition 404, c’est un peu le même principe… En version horrifique et infestée de bugs informatiques ! 

Explorer la maison de votre voisin ne sera pas de tout repos, dans la mesure où réalité et illusions se mêlent en plusieurs dimensions parallèles. Vos peurs devront être combattues sur plusieurs fronts, dans des univers variés s’inspirant notamment de franchises cultes comme les films Matrix ou le dessin animé Code Lyoko. Vous avancerez à pas comptés dans ce qui semble être un monde digital qui prend peu à peu possession du joueur. Vos choix impacteront, bien entendu, le destin de votre avatar.

Dahmane nous a gentiment accordé un entretien lors de l’Animasia 2024 et nous avons pu en savoir davantage sur ce projet, plutôt unique en son genre. My Dear Neighbor, edition 404 est une exclusivité PC attendue dans le courant de l’année 2025. Vous pouvez d’ores et déjà vous essayer à la démo jouable, disponible sur Steam. À ne pas essayer avec son voisin… 

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